Réaliser un court métrage

Les étapes d’un projet de court métrage

Un projet avance dans un ordre simple : écriture, préparation, tournage, puis montage et mixage. Chaque étape produit des éléments concrets qui servent de base à la suivante, du scénario aux fichiers sonores et aux images montées. Pour garder le film réalisable, la durée visée, les lieux et les contraintes de production se définissent avant d’engager les journées de plateau. Le passage d’une étape à l’autre se fait lorsque les décisions nécessaires sont suffisamment stables pour éviter de désorganiser le travail.

Écriture

Commencez par une idée formulée en une ou deux phrases : qui veut quoi, qu’est-ce qui l’en empêche et quel changement se produit à la fin ? Cette formulation aide à vérifier qu’un conflit peut être raconté par des actions visibles, plutôt que par une longue explication. Pour un scénario court métrage, une situation centrale, peu de personnages et un nombre limité de lieux rendent souvent le récit plus maîtrisable sans imposer un genre particulier.

Développez ensuite un synopsis d’une demi-page à quelques pages, qui expose toute l’histoire, y compris son dénouement. Le traitement ajoute les étapes, les retournements et l’évolution des personnages, sans encore détailler chaque réplique. À ce stade, vérifiez le rythme : une scène doit apporter une information, modifier un rapport de force ou provoquer une décision. Si deux scènes remplissent la même fonction, fusionnez-les ou supprimez-en une avant de passer au dialogue.

Le scénario décrit les scènes avec des en-têtes de lieu et de moment, des actions filmables et des dialogues. Une page de scénario correspond souvent à environ une minute à l’écran, mais les silences, les déplacements et le jeu peuvent modifier fortement cette durée : faites une lecture chronométrée pour préciser la cible. Numérotez les versions et notez les changements importants, afin que chaque collaborateur travaille sur le même texte. Une version de préparation doit être assez stable pour permettre le dépouillement et l’organisation des scènes.

Avant la préparation, relisez le scénario à voix haute, testez la durée et vérifiez que la fin répond à la promesse de la première scène. Le verrouillage ne signifie pas qu’aucune correction ne sera jamais possible : il marque le moment où les changements doivent être évalués selon leurs effets sur le planning et les moyens. La décision à prendre est précise : conserver cette histoire et cette durée comme base de production, ou réécrire avant d’engager les lieux, les interprètes et le calendrier.

Préparation

La préparation transforme le scénario en tâches, journées et besoins vérifiables. Elle sert à anticiper les contraintes concrètes et à verrouiller les éléments qui ne peuvent plus changer sans déplacer le tournage.

• Établissez un planning jour par jour, avec les scènes prévues, les horaires de présence, les déplacements, les pauses et une marge pour les retards ou les changements de lumière.
• Repérez les lieux à l’heure réelle des scènes : contrôlez le bruit ambiant, l’accès électrique, la place pour la caméra et la circulation des personnes pendant le tournage.
• Obtenez les autorisations nécessaires auprès des propriétaires et des responsables concernés ; confirmez par écrit les dates, les zones accessibles et les restrictions d’usage du lieu.
• Organisez le casting d’un film court métrage à partir des rôles et des disponibilités : faites lire les scènes clés, puis confirmez les horaires et les coordonnées.
• Construisez un budget global par postes, incluant déplacements, repas, matériel, décors, assurance éventuelle et post-production, puis comparez chaque dépense aux besoins réels du scénario.
• Élaborez le plan de travail en regroupant les scènes selon les lieux, les interprètes et les contraintes de lumière, sans bouleverser la continuité dramatique du récit.

Le dépouillement du scénario permet de relever chaque décor, accessoire, costume, effet, déplacement et présence à l’image. Croisez ces besoins avec le calendrier : une scène nocturne, une météo incertaine ou un lieu accessible sur une seule plage horaire peut imposer un ordre de tournage différent de celui du récit.

Avant la première journée, verrouillez la version du scénario, les lieux, la distribution et le planning jour par jour. Confirmez aussi les accès, les autorisations et la disponibilité des éléments indispensables ; une modification de lieu ou d’interprète à la veille du tournage peut rendre plusieurs scènes impossibles à enchaîner. Le plan de travail final doit indiquer où se déroule chaque journée et quelles scènes doivent être rapportées.

Tournage

Le tournage court métrage s’organise autour des scènes prévues au plan de travail, et non dans l’ordre où elles apparaissent à l’écran. Pour un film d’environ quinze minutes, quelques jours de prise de vues constituent une plage pratique fréquente, pas une règle : le nombre de lieux, les scènes de nuit et la complexité des actions peuvent allonger le calendrier.

• Ouvrez la journée par un point sur les scènes à réaliser, les horaires du lieu et les changements de dernière minute ; vérifiez que les pages distribuées correspondent à la version verrouillée.
• Installez le cadre et l’éclairage, puis contrôlez l’exposition, la mise au point et les raccords de direction avant d’enregistrer plusieurs prises d’une même action.
• Après chaque prise, vérifiez la continuité des gestes, des accessoires, des costumes et des positions ; notez la prise retenue et les éventuels raccords à reprendre.
• Écoutez le son enregistré au casque entre les prises : repérez les bruits parasites, les réverbérations, les saturations et les dialogues masqués par l’environnement.
• En fin de journée, rassemblez les cartes et enregistrements, les rapports de prises, les notes de continuité et les indications sur les prises à privilégier au montage.

Une journée type commence par la préparation de la première configuration, se poursuit par les prises et les changements de cadre, puis se termine par le contrôle des éléments enregistrés. Gardez du temps pour les reprises indispensables : une prise supplémentaire peut être plus utile qu’un plan accessoire qui ne sert pas le récit.

Les contrôles du plateau portent sur l’image, le son et la lisibilité de l’action. Visionnez des prises représentatives sur un écran adapté, écoutez les dialogues au casque et vérifiez que les fichiers sont lisibles avant de libérer un lieu. Les livrables comprennent les images originales, les fichiers sonores séparés, les rapports de prises et les notes signalant les prises préférées. Ces éléments facilitent le montage sans dépendre de souvenirs approximatifs.

Montage et mixage

Le montage court métrage commence par le tri des images et des prises, puis par une première assemblée qui suit l’ordre du récit. Le montage image resserre ensuite les scènes, ajuste les entrées et les sorties et choisit les réactions qui portent le mieux l’émotion. Comparez plusieurs prises sur une même ligne de temps, en vérifiant les raccords de regard, de mouvement et de son. À chaque version, contrôlez la durée totale et la compréhension de l’histoire sans explication ajoutée.

Quand les plans, leur durée et leur ordre ne doivent plus changer, le film atteint le verrouillage image, ou picture lock. Cette étape précède le mixage final : si l’image est modifiée ensuite, les effets sonores, les ambiances et les dialogues peuvent devoir être recalés. Le montage son nettoie les prises, équilibre les dialogues, construit les ambiances et ajoute les effets nécessaires. L’étalonnage harmonise ensuite l’exposition, le contraste et les couleurs entre les plans, avant le mixage final des éléments sonores.

Le mixage règle les niveaux et la place respective des dialogues, des ambiances, des effets et de la musique, afin que chaque élément reste intelligible sur les écoutes prévues. Dans la post-production d’un film court métrage, la négligence du son de production est la cause d’échec la plus fréquente : un dialogue saturé, couvert par le vent ou absent ne se répare pas toujours proprement. Protégez donc les prises de son dès le tournage et écoutez le résultat final au casque puis sur des haut-parleurs ordinaires.

L’équipe minimale

Sur un plateau léger, chaque poste doit correspondre à une responsabilité clairement attribuée. Le réalisateur conduit le récit et les interprètes, tandis que l’image, le son, le montage et la production répondent à des besoins distincts. Une même personne peut cumuler certaines tâches lorsque le rythme de la scène le permet, mais pas au prix d’une attention divisée pendant un dialogue. La composition retenue se décide en fonction du nombre de comédiens, des déplacements et des contraintes de prise.

Réalisation et image

Le réalisateur transforme le scénario du court métrage en choix de jeu, de rythme et de mise en scène. Il dirige les acteurs, précise les intentions d’une réplique, règle les déplacements et décide quelles informations le spectateur doit percevoir dans chaque plan. Avant une prise, il peut par exemple demander une pause après une phrase ou modifier l’axe du regard pour rendre une hésitation plus lisible. Sa responsabilité porte sur la cohérence du récit, même lorsque plusieurs contraintes techniques se présentent en même temps.

Le directeur de la photographie conçoit le traitement visuel et organise sa réalisation avec les moyens disponibles. Il propose les focales, le cadre, l’exposition, les sources lumineuses et les réglages de caméra, puis veille à leur continuité entre les prises. Pour une scène tournée près d’une fenêtre, il peut mesurer la lumière, choisir de conserver le contre-jour ou d’ajouter un réflecteur, et vérifier que les visages restent lisibles. Éclairage et cadrage servent alors une intention précise plutôt qu’une accumulation de matériel.

La relation entre les deux postes se construit en amont à partir du découpage, des repérages et d’essais simples. Le réalisateur explique l’effet dramatique recherché ; le directeur de la photographie indique ce que permettent le lieu, la durée du jour et la caméra. Un plan fixe de deux minutes dans une pièce peut être préparé avec un cadre, une source principale et un rebond, alors qu’une scène mobile exige de prévoir les déplacements, les changements de point et les raccords. Une courte répétition dans le décor révèle souvent les conflits de placement avant l’arrivée de l’équipe complète.

Dans une micro-équipe, le réalisateur peut aussi assurer la direction de la photographie sur une scène peu mobile, à condition de préparer les réglages et de déléguer le suivi de caméra. Il peut également opérer une caméra verrouillée si le jeu est simple, mais son attention se partage alors entre le cadre et les interprètes. Le cumul réalisateur-directeur de la photographie fonctionne mieux lorsque les plans sont anticipés et qu’une personne de confiance surveille l’image pendant les prises. Sur des scènes dialoguées ou des mouvements complexes, séparer direction et image facilite les corrections rapides et protège la qualité du jeu.

Son sur le tournage

Le preneur de son, ou ingénieur du son de production, enregistre les voix et les sons utiles pendant le tournage. Il choisit le microphone, place la perche hors cadre, règle les niveaux sur l’enregistreur et écoute au casque les frottements, bruits de circulation ou réverbérations. Une prise propre dépend notamment de la distance au comédien : une perche rapprochée et orientée vers la bouche donne généralement un résultat plus présent qu’un microphone éloigné au-dessus du décor. Le preneur de son signale aussi les prises perturbées afin que l’équipe puisse les refaire.

Un ensemble léger comprend souvent un microphone canon ou hypercardioïde sur perche, une suspension avec protection contre le vent, un enregistreur multipiste, un casque fermé et des micros-cravates lorsque le cadre ou les déplacements l’exigent. Le format courant de production est le 48 kHz en 24 bits ; garder les crêtes de dialogue autour de −12 dBFS laisse une marge contre les éclats de voix. Les pistes séparées permettent de régler chaque interprète au montage, tandis qu’une note de prise ou un clap facilite la synchronisation avec l’image.

Le mixage en post-production équilibre les pistes, réduit certains bruits et ajuste les ambiances ; il ne peut pas recréer un dialogue propre qui n’a jamais été enregistré. Une réplique couverte par un camion, saturée ou noyée dans une forte réverbération peut nécessiter une reprise, et le remplacement de dialogue ne restitue pas toujours le jeu spontané. Le contrôle au casque sur le plateau évite de découvrir après le tournage un câble qui frotte contre un costume ou un niveau trop faible. Pour les scènes parlées, le son de production mérite donc une personne réellement disponible.

Une micro-équipe peut associer le preneur de son à la gestion des micros-cravates ou à la préparation des fichiers, mais il ne doit pas piloter la caméra pendant une scène dialoguée. La perche exige de suivre les mouvements des acteurs sans entrer dans le cadre, tout en surveillant les niveaux et les bruits parasites. Lorsque caméra et son sont séparés, l’opérateur image maintient le cadre et le point, tandis que le preneur de son se concentre sur les voix ; cette répartition devient particulièrement utile avec plusieurs interlocuteurs ou des déplacements.

Le tableau compare des configurations courantes et leurs conséquences pratiques sur les dialogues enregistrés.

Répartition du son et repères de prise

Configuration	Répartition et repères	Conséquence pour le dialogue
Caméra et son séparés	Un opérateur image et un preneur de son ; enregistrement à 48 kHz, 24 bits.	La perche peut suivre les acteurs pendant que le cadre reste stable ; écoute et cadrage ne se concurrencent pas.
Micro-équipe, scène fixe	Réalisateur à la caméra, preneur de son dédié ; niveaux contrôlés au casque à chaque prise.	Configuration praticable si le cadre est verrouillé et si les interprètes restent dans une zone sonore définie.
Une personne à la caméra et au son	Caméra tenue et perche à gérer simultanément pendant les répliques.	La surveillance des niveaux et le suivi du microphone se dégradent lorsque le cadre ou les acteurs bougent.
Deux comédiens équipés de micros-cravates	Deux pistes distinctes, complétées si possible par une perche pour l’ambiance et les reprises.	Le montage peut équilibrer les voix séparément, sous réserve d’éviter les frottements de vêtements.

Pour un dialogue exploitable, la solution minimale est une caméra opérée par une personne et une prise de son confiée à une autre, même si cette dernière utilise un dispositif compact. Sur une scène immobile, un cadre verrouillé permet davantage de souplesse, mais le preneur de son reste affecté à l’écoute et à l’enregistrement.

Montage et production

Le monteur assemble les plans, synchronise les pistes sonores, choisit les prises et règle le rythme sans perdre la continuité des actions. Il travaille à partir de copies organisées par journée, scène et numéro de prise ; une structure cohérente réduit les erreurs lorsqu’il faut retrouver une réplique ou vérifier un raccord. En post-production, il peut aussi préparer les versions de travail, intégrer les effets sonores, transmettre les éléments au mixage et vérifier les exports. Le montage d’image et le traitement du son sont des tâches liées, mais elles ne remplacent pas la qualité de l’enregistrement réalisé sur le plateau.

Le producteur organise les moyens humains, matériels et administratifs pour que les journées prévues puissent se dérouler. Il coordonne les disponibilités, les lieux, les autorisations nécessaires, le transport et le suivi des dépenses, puis maintient le calendrier lorsque le plan de travail change. Une équipe réduite peut confier la production à la personne qui suit déjà la logistique, mais cette charge doit être planifiée : accueillir les comédiens, résoudre un problème de lieu et contrôler des médias au même instant sont des tâches incompatibles.

Ces répartitions permettent de combiner des postes sans confondre leurs fonctions :

• Le réalisateur peut tenir une caméra fixe sur une scène préparée, si le cadre ne demande ni déplacement ni correction constante.
• Le directeur de la photographie peut opérer la caméra lorsque l’éclairage et les mouvements ont été définis avant les prises.
• Le monteur peut aussi assurer une partie de la production après le tournage, avec un calendrier séparant clairement les deux tâches.
• Le producteur peut suivre les médias et les documents de tournage, à condition qu’une autre personne surveille les prises pendant la scène.
• Le preneur de son reste dédié à l’écoute et à l’enregistrement pendant les dialogues ; il ne tient pas simultanément la caméra.

Pour obtenir un dialogue exploitable, l’équipe minimale sépare au moins la caméra et le son pendant les scènes parlées : une personne cadre ou opère l’image, une autre enregistre et écoute les voix au casque. Le réalisateur peut alors diriger le jeu sans détourner le preneur de son de sa tâche. En post-production, un monteur peut travailler seul sur l’assemblage si les fichiers sont correctement nommés et sauvegardés, tandis que le producteur assure le suivi des délais et des éléments manquants.

Du film terminé à la diffusion

La diffusion se prépare à partir d’un film achevé et d’informations fiables sur sa fabrication. Le verrouillage définitif de l’image, souvent appelé « picture lock », précède la création des copies destinées aux festivals ou aux autres lieux de projection. Le générique, la fiche technique et la liste de dialogues facilitent les échanges avec les programmateurs et les équipes de diffusion. Le choix des circuits dépend ensuite des droits disponibles, du public visé et des objectifs du projet. Terminer le film, puis l’envoyer, reste l’ordre le plus pratique.

Générique et fiche technique

Avant toute diffusion, rassemblez trois documents cohérents : le générique final, une fiche technique à jour et une liste de dialogues minutée. Ils accompagnent le fichier du film et permettent aux organisateurs de vérifier les crédits, de présenter l’œuvre et de préparer, au besoin, son mixage ou ses sous-titres.

• Créditez la réalisation, le scénario, la production, les interprètes et les postes principaux, en respectant les contrats, les accords de coproduction et les crédits convenus.
• Mentionnez la musique et les œuvres préexistantes utilisées, ainsi que leurs auteurs ou titulaires de droits selon les autorisations obtenues pour le film.
• Inscrivez sur la fiche le titre, l’année, la durée exacte en minutes et secondes, le pays de production, la langue et le genre.
• Précisez le format d’image, la définition du fichier de projection, le type de son et les langues des sous-titres déjà disponibles.
• Joignez une synopsis courte, les noms de la réalisation et de la production, ainsi qu’une adresse de contact suivie pour les demandes de diffusion.
• Établissez la liste des dialogues avec repères temporels, noms des personnages et formulations exactes, en signalant les paroles hors champ et les sons signifiants.

La liste de dialogues aide à repérer un décalage de synchronisation ou une réplique masquée pendant le mixage. Elle sert aussi de base aux sous-titres : les minutages doivent correspondre aux entrées et sorties de parole, et les noms des personnages rester identiques d’une version à l’autre. Pour un film multilingue, indiquez clairement la langue de chaque réplique afin que la traduction ne transforme pas une variation de langue en erreur.

Avant l’envoi, comparez les crédits à l’image avec la fiche et les contrats, vérifiez l’orthographe des noms, la durée annoncée et l’ouverture des fichiers. Une version de consultation avec sous-titres incrustés peut faciliter l’évaluation, tandis qu’un fichier de projection séparé doit rester conforme aux caractéristiques demandées par son destinataire.

Envoi en festival

Commencez les candidatures lorsque le montage est verrouillé, que le mixage est validé et que le film peut être présenté sans changement de contenu. Envoyer un montage provisoire expose à transmettre une durée ou des crédits inexacts ; après le verrouillage image, finalisez aussi la version sonore et la fiche technique avant de préparer les dossiers. L’envoi d’un film ne garantit jamais sa sélection : les comités retiennent une partie des œuvres reçues selon leur ligne éditoriale, leur programmation et les places disponibles.

Choisissez les manifestations en fonction du genre, de la durée, du pays de production, de la langue et du public auquel le récit s’adresse. Un film d’animation, un documentaire ou une fiction peut répondre à des lignes de programmation différentes ; vérifiez aussi les règles d’éligibilité, les dates de production admises et les conditions de première présentation. Certains règlements demandent une première nationale ou régionale, d’autres acceptent un film déjà montré. Ne déclarez pas une exclusivité avant d’avoir vérifié que vous pouvez la respecter.

Construisez un calendrier à partir des dates de clôture et des périodes de programmation, qui peuvent se situer plusieurs mois avant les projections. Notez pour chaque candidature la date limite, les frais éventuels, les éléments requis, le statut de première et la date à laquelle une réponse est annoncée. Envoyer tôt laisse du temps pour corriger un dossier incomplet, mais n’améliore pas automatiquement les chances artistiques. Répartir les candidatures entre plusieurs échéances évite de concentrer tous les envois sur une seule période.

Préparez un dossier stable : fichier de visionnage, synopsis courte, fiche technique, photographie ou image fixe et coordonnées de la personne responsable des droits. Les formats de dépôt et les limites de taille varient ; conservez donc un fichier maître de bonne qualité et créez des copies adaptées aux spécifications de chaque destinataire. Un fichier courant de consultation peut être compressé en H.264, tandis qu’une projection peut exiger un fichier de meilleure qualité ou un paquet de cinéma numérique. Vérifiez les demandes précises plutôt que d’envoyer partout un format unique.

Suivez les réponses dans un tableau et consignez les dates d’envoi, les versions remises et les conditions acceptées. Si le film est retenu, confirmez par écrit la durée, les sous-titres, le format de projection et les droits de représentation avant de livrer la copie définitive. En l’absence de réponse ou après un refus, poursuivez le calendrier prévu sans interpréter une décision isolée comme une mesure de la valeur du film. Une stratégie de festival repose sur des choix compatibles avec l’œuvre, pas sur une promesse de sélection.

Autres circuits

Les projections scolaires, les bibliothèques et les plateformes non compétitives offrent des voies distinctes des festivals. Elles peuvent mettre un film en relation avec des groupes précis ou le rendre accessible sur une période plus longue, sans classement ni prix. Le choix dépend de l’usage recherché : séance suivie d’un échange, ressource pédagogique, programmation culturelle ou visionnage à la demande. Ces circuits ne garantissent pas davantage un public ; ils reposent sur des accords et des modes de présentation différents.

Pour une projection scolaire, identifiez d’abord le niveau concerné, la durée compatible avec une séance et les thèmes qui peuvent nourrir un travail en classe. Une fiche d’accompagnement peut proposer le contexte de production, des questions de discussion et des repères pour analyser une scène, sans imposer une interprétation unique. Vérifiez que les droits couvrent la représentation dans un établissement et précisez si la séance est gratuite ou intégrée à une activité payante. L’enseignant ou la structure doit connaître à l’avance la durée du film et les éventuels sous-titres.

Une bibliothèque peut programmer le film lors d’une rencontre, d’un cycle thématique ou d’une activité ouverte au public. Le format de la séance, la capacité de la salle et les moyens de projection influencent la préparation : demandez si l’établissement dispose d’un lecteur adapté, d’une connexion fiable ou d’un système de sonorisation. Fixez par écrit le nombre de séances, le territoire concerné, la durée de l’autorisation et les conditions de rémunération éventuelle. Une copie de projection contrôlée avant l’événement réduit les risques de problème de lecture ou de sous-titres manquants.

Une plateforme non compétitive peut proposer un visionnage à la demande, une mise en avant éditoriale ou une consultation limitée à un public donné. Examinez la durée de mise à disposition, les territoires couverts, les éventuels revenus, la qualité de diffusion et les possibilités de retrait. Vérifiez également si le contrat demande une exclusivité : celle-ci peut empêcher d’autres projections pendant une période définie. La qualité du fichier, la présence de sous-titres lisibles et une présentation concise influencent l’expérience de visionnage, mais ne déterminent pas à elles seules le nombre de vues.

Les festivals visent souvent une programmation événementielle et une rencontre avec un comité ou un public rassemblé ; les circuits éducatifs et culturels privilégient plutôt l’accès, la médiation ou la réutilisation du film. Les contraintes diffèrent aussi : une sélection festival impose des échéances et des règles de première, tandis qu’une école ou une bibliothèque négocie surtout les droits de séance, le calendrier et les conditions techniques. La distribution d’un court métrage peut combiner ces voies si les autorisations restent compatibles. Avant de confirmer une séance, clarifiez les droits musicaux et de représentation, puis adaptez les éléments de présentation au public visé.

Questions fréquentes pour réaliser un court métrage

Les choix pratiques dépendent notamment de la durée visée, des jours de disponibilité et du règlement de chaque festival.

Par quelle étape commencer un court métrage ?

Commencez par formuler l’idée du film, puis écrivez un scénario court métrage qui peut être tourné avec les moyens disponibles. Une situation centrale, un personnage principal et un changement perceptible donnent une base claire à l’écriture. Fixez ensuite une durée cible : un récit de cinq minutes ne demande pas le même nombre de scènes qu’un film de quinze minutes. Relisez le scénario en estimant le nombre de lieux, de rôles parlants et de changements de décor. Ces choix orientent la préparation, le calendrier, le casting et les besoins techniques.

Combien de temps dure un tournage de court métrage ?

Un court métrage d’environ quinze minutes se tourne souvent en quelques jours, mais cette durée reste une pratique courante, pas une règle. Le nombre de scènes, les déplacements, la lumière disponible et les horaires des interprètes influencent le calendrier. Une scène dialoguée dans un lieu maîtrisé peut être enregistrée plus rapidement qu’une séquence extérieure avec plusieurs axes de caméra et des raccords à respecter. Prévoyez aussi du temps pour installer le matériel et refaire une prise si le son ou le jeu pose problème. Un découpage plan par plan aide à estimer les journées.

Quelle équipe faut-il au minimum ?

Pour tourner des scènes dialoguées avec un son exploitable, prévoyez au minimum une personne à la réalisation, une à l’image et une au son, en plus des interprètes. La personne au son peut placer une perche et surveiller au casque les niveaux et les bruits parasites pendant les prises. Confier simultanément la caméra et la prise de son à une seule personne expose à manquer un changement de cadre ou un défaut audio. Avec une équipe très réduite, simplifiez les déplacements, limitez les changements de dispositif et enregistrez quelques secondes d’ambiance par lieu.

Un court métrage terminé est-il automatiquement sélectionné ?

Non, terminer un court métrage ne garantit pas sa sélection en festival. Les équipes de programmation choisissent parmi les films reçus selon leur ligne éditoriale, leur durée, leur calendrier et le nombre de places disponibles. Avant chaque envoi, vérifiez le règlement : certains festivals imposent des critères de durée, de date de production ou de première diffusion, tandis que d’autres appliquent des conditions différentes. Préparez un fichier de projection conforme aux spécifications demandées, un synopsis précis et les informations de droits nécessaires. Ciblez les festivals dont la programmation correspond réellement au film.